08-03-2010
Mira Betz, Kami Liddle, Jeremiah M. Soto y Steven Egers : Una entrevista tribal
Paola Maluje y Paola Jarami

El 2011, tuvimos la oportunidad de conocer en profundidad a varios artistas de la escena tribal norteamericana. Gracias a la amistad de nuestra panelista paola Maluje con algunos de ellos accedimos a una entrevista en que pudimos hablar de los temas qe nos interesa conocer a todos los que disfrutamos de este estilo de danza oriental. A continuación traducimos para ustedes esta increible nota, que esperamos los verdaderos amantes de la danza tribal y porque no lo de la danza oriental disfrute!!!

Paola: Hola Jeremiah! Sabemos que has estado haciendo música desde el año 1986. Queremos saber cómo comenzaste a ser músico especializado en la Danza del Vientre Tribal Fusión. 
Jeremiah: Bien, comencé alrededor del año 1991, cuando descubrí la banda inglesa llamada Dead Can Dance de la cual me inspiré mucho. Ellos mezclaban la música clásica coral medieval con influencias de elementos del Medio Oriente en la música que hacían.
Aproximadamente en el año 1995 me encontré con una vieja amiga, bailarina de la Danza del Vientre, quién me escuchó tocar derbake y me dijo oh! Tú deberías venir a las clases con mi profesora, a ella le encantaría tenerte ahí. Así que lo encontré fantástico, de modo que fui y así comenzó todo. Comencé tocando para esta maestra, la cual se transformó en una especie de mentora gracias a que ella tenía muchos vinilos de música clásica de Danza del Vientre y los tocaba para mí, me enseñaba los diferentes ritmos, yo los escribía y finalmente hacía composiciones para sus clases.
En 1995, en mis inicios, yo trataba de imitar a las antiguas bandas clásicas árabes, pero finalmente terminé teniendo este sonido único donde fusiono y experimento con música y sonidos que me inspiran.
Cuando comenzó el estilo Tribal, yo ni siquiera sabía de él. Y de pronto aquí estoy en el Tribal, y la gente me asocia con este estill, y yo me dije, OK. si les gusto me quedaré.
Paola a Kami: Cuándo comenzó Tribal en los Estados Unidos? 
Kami: Todo depende de lo que se entienda por Tribal. Mi opinión es que el estilo Tribal comenzó con Jamila Salimpur y Bal Anat en los setenta. El estilo Tribal Americano, por Carolena Nericcio de Fat Chance Belly Dance, su profesora inicial era alguien que tenía algunas de las características de Bal Anat Art, así que lo que Carolina creó fue el estilo Tribal y creo que eso fue alrededor de la misma época cuando la música de Jeremiah comenzó a ser conocido y comenzó a ser asociado con el movimiento Tribal Style (Estilo Tribal) y Tribal Fusión Style (Estilo Fusión Tribal) que incorporó la danza y la fusión americana del estilo Tribal Americano con otras formas de danzas, y yo en ese momento estaba ahí, donde se comenzaba a gestar todo este movimiento de estilo de danza.
Mira Betz: Yo siento que la fusión Tribal estaba saliendo de la sepultura en ese tiempo porque las bailarinas más jóvenes, no todas nosotras estudiamos con Carolina, pero todas éramos un grupo, y tocábamos música juntas, y bailábamos juntas, de modo que había una gran influencia de Carolena y Jamila por supuesto, pero personalmente, siento que la Fusión Tribal tenía que ver con encontrar mi propia identidad en la danza.
Yo estudié danza del vientre y la verdad es que no importaba cuanto maquillaje me pusiera, o cuantos trajes árabes usara, nunca sería una Egipcia, nunca parecería una Marroquí, así que siempre pensé que estaba tratando de ser alguien que no era, y a pesar que amo esas culturas con gran pasión y respeto, yo soy blanca, y soy de América, era imposible salir de eso, yo crecí escuchando música rock, música de los años veinte, música de los cuarenta, Swing, etc. Entonces en un minuto me dije que no tengo que ser dos personas diferentes, puedo ser yo misma, de modo que tomé el lenguaje que había aprendido de la Danza del Vientre y lo fusioné con quien yo era como ser humano, es decir, joven, crecida y criada como una americana de clase media, desde la onda Hippie hasta la música Góspel hasta una mezcla multicultural en la que vivimos en San Francisco.
En esta ciudad hay muchas culturas conviviendo entre sí, hay bailarinas Hindú, hawaianas, quiero decir que todo lo que te puedas imaginar está sucediendo ahí, y todas estábamos influenciadas por estas influencias multiculturales, creo que la gran influencia que significó el trabajo de Carolina en el estilo Tribal no era lo que ella imaginaría que podría llegar a ser… Ella decidió hacer su propio camino, y creo que fue un ejemplo en términos de que de alguna manera nos dio permiso para que hiciéramos nuestro propio camino.
Nosotras no tendríamos que intentar ser auténticas, existe un extenso movimiento en el mundo de las danzas del medio oriente que son auténticas, y nosotras simplemente nos apartamos de eso, debíamos ser nosotras mismas, a lo que me refiero es que a mantener los fundamentos de nuestro pasado como bailarinas de danza del vientre clásico pero experimentando con otros elementos, fusionando estilos y manteniendo un lenguaje y una identidad propia. Esa es la propuesta del estilo Fusión.
De algún modo ninguna sabía lo que estábamos haciendo, y que nombre ponerle, así que la gente sabía que estaba relativamente asociado con Carolina porque algunas habían sido sus alumnas, pero muchas de las alumnas también venían de la profesora Katarina Burda y de otras academias de danza, de modo que sencillamente decidieron llamarlo Fusión Tribal, y eso a mí, particularmente no me agrada, pero yo llegué a ser algo así como un basurero, no quiero decir que éramos basura, no lo somos, pero si tú no haces cabaret, y no haces ATS, no hay un nombre ni una definición para ti. Es así como todo lo demás lo encasillan en Tribal Fusión, las cosas buenas y las que no lo son.
Para mí, tiene que ver con individualidad, de modo que hay grandes artistas y malos artistas, así como es la vida, pero siempre hay algo para todos, para mí, esa es la manera como comenzó, se trata de encontrar una identidad de ti misma como bailarina y no ser réplicas de nuestras profesoras.
Paola: Quiero preguntarte a ti Steven, tu eres muy joven y guapo, ¿cómo comenzaste en esta clase de danza?
Steven: Realmente, literalmente, tropecé con esta danza a los 13 años cuando participaba del grupo de drama en el colegio. Un gran amigo tomaba clases de danza en un pequeñísimo pueblo en la mitad del desierto y me invitó a una especie de noche de guitarra folclórica renacentista, literalmente me obligó a ir a clases, de modo que aceptamos ir, un día estábamos caminando a través del desierto hacia el estudio, y escuchamos una extraña música del Medio Oriente y vimos una mujer danzando con dos espadas sobre su cabeza. Nosotros nos sorprendimos mucho, y dijimos: ¿qué es esto?, nos fascinó y terminamos tomando clases.
Paola: ¿Cómo ha sido para ti ser un bailarín de Belly Dance en los Estados Unidos?
Steven: Esa es una pregunta muy difícil porque hay tantos aspectos, para mí no fue nada fácil en los Estados Unidos, para mí hay buenas y malas bailarinas, no es importante para mí si eres hetero o gay, para mí es sólo un bailarín compartiendo todo lo que tiene. He visto algunos que se visten como mujer, o sólo bailan como mujer y hacen cabaret.
En el movimiento Tribal no quiero decir que yo soy el primer bailarín, pero pienso que fui uno de los primeros. Pero sí, he sido discriminado. En una oportunidad en un grupo de danza, una de las bailarinas no se sintió cómoda teniendo a un bailarín hombre de Danza del Vientre. También he actuado en muchos lugares en los que la gente tenía grandes prejuicio y sentí que había un aire viciado en escena, pero desde entonces siento que ha cambiado mucho la mentalidad de la gente.
Yo bailo desde mi corazón y alma, y la gente no ve a un hombre o a una mujer bailando, más bien ellos sólo ven Arte. Y si, ha cambiado mucho la mentalidad de la gente. Actualmente dicen oh! No pude evitar mirarte y me agradecen por abrir su mente y sus ojos. Nunca me imaginé que esto podría ser así, de modo que todavía hay mucho que hacer.
Kami: Y hay otra cosa más, creo que llamas mucho la atención porque eres uno de los pocos bailarines hombres del mundo de la danza fusión tribal.
Steven: Sí, ese es otro problema porque no hay muchos hombres bailarines, así que cuando actúo, muchas veces la audiencia femenina, sólo porque soy un hombre entre mujeres, se ponen a gritar automáticamente yea! Eso pasa con los bailarines de danza fusión tribal, aunque sea bueno o malo, ellas gritan automáticamente, pero a mí no me gusta eso, yo quiero trabajar por ese apoyo, es posible que otras personas obtengan toda la atención por el motivo equivocado, ¿sabes lo que quiero decir? Pero entonces, al mismo tiempo, siento que hay personas que se intimidan, especialmente las que toman talleres en clases, yo no sé si están celosas o intimidadas, pero al mismo tiempo son muy apoyadoras, es muy difícil, no es fácil ser un bailarín de Danza del Vientre.
Paola: Pregunta para Kami, ¿Cómo fue tu experiencia en Belly Dance Superstars?
Kami: Bueno, fue muy agradable para nosotras porque teníamos mucha libertad y Miles definitivamente tenía mucho control en estilo Cabaret, tenía las cosas muy claras de lo que quería para sus shows y realmente las limitaba mucho en la creación de las coreografías, música y vestuario. Él prefiere la música árabe pop, no está muy interesado en la variedad de la Danzas del Medio Oriente, pero realmente no sabía mucho sobre el estilo Danza del Vientre Fusión Tribal, de modo que le encantaba confiar en nosotras, y nos daba mucha libertad, casi no nos ponía restricciones siempre y cuando creáramos piezas que encajaran con lo que se esperaba de la Fusión Tribal, en la que debes ser más oscura, diferente y exótica. 
Fue una gran experiencia en la que pude tener la oportunidad de actuar en grandes escenarios y para diferentes públicos

Paola a Jeremiah: ¿Cuál es tu inspiración para crear música Tribal Fusión? Te inspiras en las bailarinas (es) y sus estilos?
Jeremiah: Creo que en un comienzo, en los discos iniciales había una expectativa de tomar en cuenta a los bailarines de la Danza del Vientre cuando estaba creando música, pero actualmente ya no es así, la escribo para mí y lo que nace de ahí es lo que realmente plasmo, no tengo expectativas, hago lo que quiero y confío en mí mismo y afortunadamente mi proceso creativo ha sido alto, no sigo ningún patrón, es decir, son sólo historias que yo cuento a través de la música. Y si me gusta como suena, y si me hace sentir algo, está bien. Pero en un comienzo sí, me preocupaba de las bailarinas, pero ahora me preocupo de encontrar lo que espero para mí.
Te confieso que actualmente estoy teniendo un problema porque tengo un cuaderno de apuntes realmente malo y mis expectativas son un poco estúpidas y lo sé, pero aún es como un cuaderno de apuntes de viaje, y no puedo explicarte en detalle lo que es ese cuaderno de viaje, pero me tiene molesto y mal en este momento, y está afectando mi proceso creativo, así que ahora sólo siento que necesito relajarme.
Cuando voy al estudio y trabajo trato de no tener expectativas y sólo escribo lo que sea, de modo que he estado escribiendo mucha música que no es Danza del Vientre. He escrito cerca de treinta piezas de música de uno o dos minutos, piezas muy pequeñas, pero realmente puede que sólo una o dos o tres puedan servir para la Danza del Vientre Fusión, las otras no, de modo que estoy tratando de trabajar en ello. Estoy como perplejo porque me pregunto ¿Qué he hecho? ¿lo he hecho todo? ¿Qué más me queda por hacer? Tú sabes, así que dudo si debería volver a tocar el derbake nuevamente y quizás eso me podría devolver algo de inspiración. Es una gran pregunta, pero ahora creo para mí mismo, sí. 

 
 

Paola a Mira: Queremos saber cómo logras expresar diferentes emociones en tu danza, porque tuvimos un gran taller contigo acerca de la distancia que como bailarines tenemos algunas veces en cuanto a que muchas veces  queremos expresar una emoción y el público no es capaz de percibir lo que estamos tratando de expresar y somos mal entendidas.  Como una especie de desconexión entre lo que hay en la cabeza de la bailarina y lo que quiere expresar y lo que realmente está expresando cuando baila. Como por ejemplo, una bailarina que intenta expresar una emoción de tristeza pero lo que uno ve es que está bailando de una manera demasiado sensual… ¿Qué nos puedes decir sobre eso, y cómo lo manejas?
Mira: En primer lugar creo que es una condición humana, no sé para ti pero para mí en mi vida a menudo me siento erróneamente percibida por los demás, hay una manera en que te ves a ti misma o algunas maneras que piensas que estás siendo en el mundo y más tarde, si tienes una amiga honesta o tienes reflejos del mundo hacia ti, ellos sienten muy diferente de lo que tú piensas que estás mostrando, de modo que pienso que es una condición humana, pero pienso que está presente en el Belly o en cualquier otra actuación, y es una habilidad acercar la distancia entre lo que crees que estás demostrando afuera al mundo y lo que realmente se percibe. Y hay una profunda discusión acerca de que algunas personas sienten que lo que representan con sus intenciones es lo real, y las percepciones de todos los demás no son de su responsabilidad porque cómo puedes responsabilizarte por como otras personas van a pensar de ti, es imposible que controles eso. Pero otras personas realmente se preocupan de lo que otras personas pueden pensar de ellas, de modo que es importante para ellas como son percibidas por los demás. Así que para mí, cuando estoy trabajando con mis alumnas trabajo en disminuir esa brecha de modo que entiendan que si tú estás en el escenario y tratas de conseguir algo, yo siento que es tú responsabilidad tomar en consideración esa percepción, así que sabes, el camino al infierno está lleno de buenas intenciones. Así que como actor, tu sí tienes responsabilidad. Se trata de enseñar a la gente a explorar en tiempo real, obtener retroalimentación de la clase porque me gusta que la gente realmente aprenda algo de autodescubrimiento en mis clases en lugar de que yo sólo me pare delante de la clase diciéndoles lo que deberían aprender o lo que yo pienso que deberían estar haciendo. Siento que lo que aprenden por sí mismos les da un sentido de propiedad y se convierte en un sentido profundo de efectivo proceso de aprendizaje. Tu sabes que tengo una sólida base en el teatro, así que hice algunos ejercicios de teatro en el taller que dicté aquí en Santiago.
Paola: ¿Cómo transmites y cómo enseñas tu punto de vista a tus alumnos?
Mira: Para mí como bailarina se trata sobre autenticidad del momento y de ser, ya sea interpretando un personaje o siendo auténticamente yo, depende de la música voy a la fuente en términos de que me gusta desarrollar una historia y en ocasiones sólo me gusta comunicar una expresión, de modo que para mí, lo que realmente aflora, sabes, es la autenticidad, sabes, no tratar de ser nadie más que yo misma, no tratar de ser mejor que nadie y sin pensar que eres quien no eres, sino que cuando sales al escenario piensas en quién tú eres y piensas en lo que das y la actuación ya sea que gires o dances es comunicación entre seres humanos. De manera que, es mucha autenticidad y comunicación. El objetivo en el escenario es estar presente y comunicativa, abierta y compartiendo, pero la gente está tan asustada de abrirse y compartir consigo mismas, y entonces la gente les da la espalda y critica, y eso es aún más aplastante para ellas, de manera que tienen que ser alguien otro o tienen que ser su profesora o millones y millones de Rachels Brice´s porque la gente sabe que eso funciona y a la gente le gusta eso, así el camino es mucho mas fácil, sabes, puedes tomar ese sendero y la gente te acepta porque ha sido probado y funciona, pero es mucho más difícil tomar el machete y trabajar tu propio camino a través de la jungla, aunque sea un camino más lento, desafiante y más difícil.
Pero te digo, es mucha más la recompensa, es un autodescubrimiento mucho más rico, aunque es difícil y cuesta pararte frente a la gente y exponerte a ti misma y sólo desear que les guste, pero sabes, esa es parte de la Danza del Vientre también, esa es la razón por la que usamos veinte kilos de maquillaje, treinta kilos de trajes y salimos pareciéndonos a la reina Shiva.  Así que hace siete años atrás experimenté desnudarme, y usar lo mínimo, y desnudarme a mí misma y ver qué pasaba. Tú sólo tienes que saltar, sólo tienes que hacerlo, tú sólo tienes que correr el riesgo, atreverte y sentir que cuando tomas el riesgo, especialmente en lo concerniente al Arte, estás reconstruida, y estás verdaderamente comprometida al Arte.
Paola: Esta es una pregunta para todos ustedes, queremos saber ¿qué significa la técnica para un bailarín o un músico?
Steven: Puedes tener a un bailarín que es perfecto en un cien por ciento técnicamente pero puede que él no pueda interpretar y a veces tienes gente que posee muy poca técnica pero son increíbles intérpretes así que varía entre las personas, es muy individual y diverso. Creo que para la gente que está interpretando una danza es importante encontrar sus propios talentos entre la técnica y la actuación, pero hay algo en ciertas personas cuando interpretan que tú no puedes decir qué es, pero ellos tienen algo especial y yo creo que viene de su alma, gente que tiene la habilidad para compartir aquello que llevan dentro y sencillamente se abren y se hacen vulnerables. Es decir, la técnica es importante pero no lo es todo. Es muy difícil de balancear, es una línea difícil.
Kami: Estoy de acuerdo, porque cuando mis estudiantes dicen porqué esa técnica es tan difícil, yo les digo que porque cuando estás en el escenario no tienes tiempo de pensar en la técnica. Necesitas tener la técnica totalmente internalizada en tu cuerpo ya que cuando estás en el escenario no puedes pensar en tu postura, sobre la técnica, o cuál es tu coreografía, no puedes. Es importante comunicarse verdaderamente con el público y compartir el paso siguiente, así que para mí la técnica es realmente importante para finalmente lograr este objetivo NO pensar en la técnica en las presentaciones o shows!.
Jeremiah: Bueno, yo pienso que en lo concerniente a lo que yo enseño, que es estilo Árabe Clásico, tengo algo así como tres puntos importantes sobre eso, es la técnica, fuerza y rapidez. Y la técnica es la número uno, porque tú debes disciplinarte y no quieres tener un descuido, quieres ser agradable y sólido y la técnica también es buena para que reserves energía, yo veo tantos músicos que hacen muchos movimientos con sus manos y se cansan y yo les digo trabajen su técnica. El tipo de técnica que enseño utiliza muy poca energía y puedes tocar por horas, y puedes tocar rápido y fuerte sin cansarte, y también hay otro aspecto, puedes ser muy técnico, y muy técnico a veces para mí no tiene alma, a veces quiero sólo sentir, para mí un buen músico es alguien que me hace sentir algo, ni siquiera me importa la técnica, aunque sí me importa no me importa la rapidez o el embellecimiento, si tú me puedes hacer sentir algo, entonces obtienes mi atención.
Mira: Sí, creo que es lo mismo con un bailarín, puedes ser muy técnico, pero si no me haces pensar o sentir alguna cosa, entonces simplemente te estás masturbando en el escenario. Para mí la técnica se trata de un lenguaje, y si piensas que la danza es un lenguaje, si sabes tu lenguaje muy bien y tienes un gran vocabulario y tu articulación está muy bien puesta, entonces puedes decir todo lo que quieras decir, es como escribir poesía.
Te puedes aprender una coreografía, eso sería como leer el poema de otro, sabes, lo puedes aprender exactamente y leerlo, pero lo que yo trato es hablar poesía en la danza, de modo que aprendes la poesía y en primer lugar vas a ir paso por paso como: “¿Dónde está el hotel?”, aprendes tus conceptos básicos, aprendes las consonantes y entonces aprendes “combos” como por ejemplo: “¿Puede darme una cerveza?, gracias”, entonces aprendes la coreografía y luego comienzas a improvisar, es decir a conversar, y vas y vuelves y entonces el siguiente paso, que es más difícil, es extrapolar ideas, conversando de lo que sabes, no sólo en el presente sino que el pasado en el espacio, en el Cosmos, y en diferentes términos.
Y el último objetivo es ser capaz de hablar la poesía, y para escribir poesía en otro idioma debes entender la cultura y el lenguaje, la historia y la metamorfosis, las similitudes y todo eso, siento que con la danza es lo mismo, mientras mejor sea tu técnica no te hace un buen poeta. Tener alma detrás de eso, tener una gran actuación detrás de eso es ser un Artista. De modo que para mí debe existir un equilibrio entre lo que es la técnica y el ser un Artista.
Paola: Quiero hacerle  la última pregunta a Kami, anoche en el espectáculo, comenzaste con una maravillosa Danza del Vientre clásica, y luego terminaste tu actuación con una increíble performance Estilo Tribal Fusión, así que ¿qué puedes decirle a la comunidad Tribal y del Belly Dance aquí en Chile en cuánto a que todavía existen grandes prejuicios entre estos 2 estilos. ¿Puedes decirnos algo sobre esa brecha?
Kami: yo tomé clases con Jamila Salimpur recientemente y me llama la atención escuchar lo que ella nos dijo sobre eso, porque es la misma cosa en los Estados Unidos, y en todo el mundo. Ella dijo que en los setenta si eras bailarina del Vientre o eras Tribal eras Cabaret folklórico Americana, eras sólo una bailarina del Vientre y todos podían hacer todo, algunas personas tienen sus opciones, sus trajes, velos, y no creen necesariamente que cada bailarina del Vientre pueda hacer de todo, pero yo pienso para decirlo claramente, que una bailarina adecuada aprende un poco de todo, es así como cuando comencé a hacer Danza del Vientre, comencé con lo oriental y no sentía que eso calzaba realmente con mi personalidad o en mi elección en la danza, así que eventualmente, me sentí muy atraída hacia la Fusión Tribal, pero también sentí por algunos años que estaba encasillada en lo que se suponía que era la Fusión Tribal, y comencé a ser auténtica hacia mí misma, hacia mi voz y me quedé como oh! No puedo hacer eso porque no es Tribal y, quiero decir, siempre hice eso los años anteriores y me decían que mi estilo no era Tribal porque sonreía demasiado en la danza, y yo era como oh! De modo que hace un tiempo atrás me alejé de todo lo que se esperaba de mí y finalmente decidí que no me importaba más. Y eso es lo que realmente me atajo a la Fusión en un comienzo. Pero yo empecé mi camino como bailarina del Belly, pero también yo crecí bailando y estudié ballet, jazz, hip pop etc. Y de algún modo siento que yo no debería desechar todo ese bagaje, y actualmente es casi como que estoy volviendo a mis raíces. Es como decir;  sí, yo sé como es esto, y eso me gusta también, no es lo que quiero hacer siempre, pero estoy empezando a sentirme como quiero, más diversificada como intérprete y creo diversas piezas que no calzan precisamente dentro de los moldes de lo que se espera de mí. Esto es el alma, sólo quiero aprender las líneas y ser yo misma en el escenario.